Bienvenidos al portal dedicado a la filmografía del director David Keith Lynch. Su actividad artística abarca desde el cine, la pintura, la música, la fotografía hasta  el diseño mobiliario. En este blog se irá publicando comentarios de algunas de sus obras cinematográficas, de las que he visto hasta hora, que aparte de recomendar que la veáis os invito a participar activamente en este espacio web, haciendo criticas y construyendo así un análisis más diverso. Salud                                                    

LA CREATIVIDAD CONTRA EL PODER

     El cine del señor David Lynch es una ruptura con el cine contemporáneo, donde se rompe el esquema básico narrativo, tanto que el visual. Con su filmografía como referencia, además de una innovación en el terreno cinematográfico, todo en su conjunto podría ser denominado un nuevo estilo de cine, difícilmente al alcance de etiquetar.

     David Lynch es un cineasta de lo abstracto, polémico a la vez que innovador, una de las brillantes mentes creativas del cine. Su cine está muy vinculado a su faceta artística de pintor, de hecho, la idea de hacer cine se produjo al contemplar uno de sus cuadros, deseó que la pintura se pudiera mover, el resultado fue su primer cortometraje experimental: Seis hombres vomitando.  Sus siguientes cortos, El Alfabeto y la Abuela, son pesadillas infantiles acerca del miedo a la educación y a una familia represora.

“Todas mis películas son acerca de mundos extraños, mundos a los que nunca podrías ir a menos que los construyas y los reproduzcas en una película. Eso es lo que verdad me importa de las películas a mí: ir a mundos cada vez más extraños.” David Lynch.

Filmografía de David Lynch

• Six Figures Getting Sick (cortometraje, 1966)

• The Alphabet (cortometraje, 1968)

• The Grandmother (La abuela) (1970)

• The Amputee (cortometraje, 1974)

• Eraserhead (Cabeza borradora) (1976)

• The Elephant Man (El hombre elefante) (1980)

• Dune (1984)

• Terciopelo azul (Blue velvet) (1986)

• The Cowboy and the Frenchman (cortometraje, 1988)

• Corazón salvaje (Wild at heart) (1990)

• Sinfonía Industrial (1990)

• Twin Peaks (serie de televisión, 1990-1991)

• Twin Peaks: Fuego camina conmigo (1992)

• Hotel Room (serie de televisión, 1993)

• Premonitions Following an Evil Deed (cortometraje, 1996)

• Lost Highway (Carretera perdida) (1997)

• The Straight Story (Una historia verdadera ó Una historia sencilla) (1999)

• Mulholland Drive (2001)

• The Short Films of David Lynch (recopilación de cortometrajes, 2002)

• Darkend Room (2002)

• Rabbits (serie de Internet, 2002)

• Dumbland (serie de Internet, 2002)

• INLAND EMPIRE (2006)

• More thing what happened (extensión de Island Empire, 2007)

• Absurda (cortometraje, 2007)

   Vamos a comenzar con una de las primeras películas que vi de este director, que por cierto he visto 3 veces,  la 1º vez a una temprana edad por lo que no tenía suficiente contexto cognitivo para reconocer su significado. La 2º vez ya había adquirido los suficientes conocimientos y la valore más, y al tiempo la vi por 3º vez, que fue más emocionante porque le di un nuevo sentido y una interpretación diferente a la anterior, y que me convencía más.

   Eso es lo mejor del cine subjetivo y onírico de este director, que cada persona, según la etapa de su vida y contexto cognitivo que posee, puede obtener de una misma película interpretaciones muy distintas, todas igual de validas. Pues a pesar de la controversia que provocan sus películas, el director nunca ha hecho declaraciones sobre el significado de sus obras. Por ello es arte.

Se trata de Mulholland Drive (2001)

CARRETERA PERDIDA

Carretera perdida es la tercera obra maestra de Lynch. Un nuevo y apasionante viaje a las pesadillas de una mente que está perdiendo todo el contacto con la realidad; sin embargo su estética es agradable, los escenarios no son los angustiosos suburbios de una ciudad industrial, sino un desahogado barrio residencial de Los Angeles.

Una recapitulación de todo el cine de Lynch: que abarca desde la creación, hasta la descripción de un personaje enrarecido y terrorífico, y del contexto en que se va desarrollar la historia en la primera parte del film, para en  segunda  desarrollar la historia, enlazando a los personajes llenos de claves psicoanalíticas. Todo ello en su conjunto, con la habilidad narrativo-visual de un autor con veinte años de profesión a sus espaldas y su creciente creatividad, hacen que esta obra sea posiblemente la mejor película de David Lynch.

"Tengo buenas noticias para ti: el chicle que te gusta se va a poner de moda "

Además de cine, Lynch se atreve también con una serie,  ‘Twin Peaks’, demostrando así su genialidad y movilidad, triunfando también en televisión. Dos años después lleva a cabo un epílogo a la serie, contando la historia anterior al asesinato con ‘Fuego camina conmigo’, la película.

‘Twin Peaks’ es una de las series más famosas y más seguidas de la historia. Pero además, no ha perdido ni un ápice de juventud, sino que se mantiene inmutable al paso del tiempo.  David Lynch y su amigo escritor Mark Frost tuvieron la idea de un asesinato brutal en el seno de una comunidad pequeña, alejada de las grandes ciudades.

Twin Peaks: Fire Walk with (El fuego camina conmigo) es la película dirigida por David Lynch, 1992. Ubicada en el mismo entorno que la serie de televisión Twin Peaks, explora los acontecimientos que sucedieron  antes del inicio de ésta. En está se narran los 7 últimos días en la vida de Laura Palmer, asediada por sus pesadillas y por Bob, descubriendo cosas que se decían de ella en la serie pero no se mostraban: Una pequeña y tranquila ciudad situada en un valle, una extraña muerte y una investigación que parece un juego, un diario que mantiene un secreto, un malévolo otro yo,  un anillo, sueños, alucinaciones, presentimientos, cortas historias de amor, una habitación roja, un enano, líneas blancas en el suelo... Este es el mundo de Twin Peaks: Fuego Camina Conmigo.

Una Historia Verdadera

     Una historia verdadera es una película basada en un hecho real ocurrido en 1994, protagonizado por un anciano de 73 años, Alvin Straight, que viajó desde Laurens (Iowa), a Mt. Zion (Wisconsin), montado en su segadora. Alvin decide iniciar este viaje para reencontrarse con su hermano, el cual se encuentra gravemente enfermo y con el que no se habla desde hace más de 10 años. Dada su falta de visión y la escasez de dinero decide hacer él mismo el recorrido en su segadora. Un trayecto de 100 de kilómetros (aproximados) que Alvin tardó más de 6 semanas en realizar. 

    El film a pesar de su simpleza, comparándola dicha obra con otras de Lynch, deja entrever  algunas de sus ideas que se materializan con metáforas. La lentitud con que se mueve, se convierte en metáfora de las necesidades de una sociedad que corre demasiado y no se detiene a pensar. Y que a pesar de los problemas que le da su medio de transporte en un viaje tan largo, como es el único que tiene, en unas cuantas ocasiones tiene que detener el viaje para arreglarlo y poder proseguir con su viaje. En su largo caminar, Alvin se topa con variopintos personajes, y en cada uno derrama la ciencia que éste posee. Su mejor metáfora es esa, a pesar de los obstáculos, y de si al final llega o no a su destino, “lo importante no es la meta, sino el camino”.

TERCIOPELO AZUL (BLUE VELVET)

   Como ocurre con frecuencia en su cine, David Lynch construye una historia en la que un acontecimiento aleatorio deriva en una cadena de acontecimientos que descubren a los espectadores y a los mismos personajes de la película un mundo paralelo concebido como un plano diferente de la realidad en el que los conceptos tradicionales carecen de sentido.
El protagonista de “Terciopelo azul” se le presentará  la convicción de que el amor y el deseo no son como lo pintaban, y tendrá que lidiar contra una realidad contundente, cruda pero real.

   “Terciopelo azul” es una película hipnótica, poderosa, de una fuerza visual infrecuente y que cuenta con una banda sonora escrita por Angelo Badalamenti, que todo en su conjunto la hacen otra historia diferente, mientras que nos muestran un lado diverso a lo habitual  que también existe y que es descubierto mediante recursos visuales y narrativos en una película, que es lo que lo hace fascinante. La capacidad de hacer de un hecho cotidiano una interpretación “diferente” que no hace falta explicar con palabras, sino que el film en su conjunto te revela la idea en estado puro.

Eraserhead (Cabeza borradora)

   La historia transcurre  en un escenario post-industrial, sucio y desanimado y cuenta con una trama tan compleja como escasez de lógica, que se mueve entre la realidad y la fantasía. Pese a los pocos medios con que conto, la fotografía e imagen (en blanco y negro) están muy cuidadas y resultan en todo momento sugerentes y muy acertadas en la recreación de su atmosfera de pesadilla y de una opresiva tensión que acompaña al espectador durante todo el tiempo.

   El protagonista Henry Spencer (interpretado por Jack Nance), es un individuo solitario, enfermizo y deprimido, que tiene un monstruo como  bebe con su prometida Mary. Alrededor de esto gira la película, poseedora de una extraña energía y que se mueve entre los géneros de la ciencia ficción y del horror. Realmente esta película es bastante criptica, algunas personas la catalogan de infumable, pero cuando se aprende a ver cine no solo es para  encontrarle un sentido a todo y cada escena que ves, sino valorar lo que te puede transmitir y simplemente sentarse a verla.

ISLAND EMPIRE

   La primera escena se inicia en una habitación con unos personajes que son conejos (es decir, personas con disfraces de conejos). Lynch anteriormente hizo una especie de historietas sobre estos conejillos humanoides llamada Rabbits. La película está coproducida entre USA, Francia y Polonia, y parte se rodó en este último país, con escenas en que los personajes hablan en polaco.
    Realidad, ficción, paranoia mental, imaginación, suposiciones y otras realidades paralelas se intercalan en la historia confundiendo a la protagonista y a nosotros mismos (sobre todo a nosotros), no dejando claro lo que sucede y saliendo en ocasiones de la duda cuando oímos el ¡Corten! y nos damos cuenta de que es una escena dentro de la propia escena de la película. Terminé de verla con esfuerzo, pues además son tres horas de metraje que se extiende como un elástico que se estira. Aunque aprender a ver cine es sentarse simplemente a mirar sin buscar encontrarle sentido lógico, pienso que todo aquél que consigue ya no entenderla, sino verla entera, llega al Nirvana del universo Lynchiano, o lo mismo está al borde de una esquizofrenia aguda. Puede que vuelva a verla en un tiempo, para comprobar si me faltan códigos cognitivos, si después veo en este film una interpretación distinta que la actual o simplemente Lynch nos ha tomado el pelo.

“El Hombre Elefante, (1980) ”

    Este film es una autentica película de época, cuyos valores de producción entran dentro de los estándares de lo que es una película de Hollywood.  Por primera vez en su historia y siendo excepción, Lynch trabajó en un guión no original y en el que tuvo que colaborar con otros dos guionistas más. La estructura de este largometraje es lo más clásico que Lynch haya podido abordar en toda su filmografía, pero el joven visionario pudo introducir su particular estilo.
   Lo que sobresale en este film, es su tono deprimente, su grandeza visual y la humanidad que transpira en cada fotograma. Lynch convierte a John Merrick en la figura trágica respecto a quién gira la narración,  un ser humano encerrado en un cuerpo deforme que es ridiculizado en una feria en el Londres industrializado de finales del siglo XIX. Lynch refleja la podredumbre moral y económica de la época, en unos parajes industriales desolados. Merrick sufre las perversiones y deseos más oscuros de la sociedad, que descargan sus más bajos instintos sobre éste.

Universo David Lynch "Un viaje sin retorno"

  Formado como pintor mucho antes que cineasta, Lynch es considerado por excelencia el cineasta de lo abstracto, de lo irreal y surrealista, abarca la realidad desde perspectivas no comunes, utilizando la cámara como un vehículo que conduce hacia mundos extraños, a los que solo podemos llegar a través del poder de la creatividad con la que baña sus obras, invitando al espectador a jugar con su propia imaginación, y viajar por la misma carretera que nos conduce a esos misteriosos mundos.

  A parte de pintor, director de cine, entre una de sus múltiples facetas, está la de escritor. David Lynch, escribió: “Atrapa el pez dorado. (Meditación, conciencia y creatividad)”, un pequeño fragmento del libro hace referencia al concepto que él entiende del cine:  “Una película debe valerse por sí misma. Es absurdo que un cineasta necesite explicar con palabras lo que significa una película. El mundo de la película es un mundo creado en el que, a veces, la gente desea entrar. Para la gente, ese mundo es real. Y si descubren ciertos detalles sobre cómo se hizo o acerca de los significados de esto o aquello, la próxima vez que vean la película, todos esos conocimientos participarán de la experiencia. Y entonces la película cambiará. Considero importante y muy valioso conservar ese mundo y no decir ciertas cosas que podrían destruir la experiencia".

  El cine al igual que la pintura, el teatro, la poesía o la música, puede ser muy abstracto pero la gente ansía darle un sentido intelectual, traducirlo a palabras. Y cuando no pueden hacerlo, se sienten frustrados. Pero si lo dejan expresarse, pueden encontrar una explicación interior. Lo interesante, pues, es que ya saben más de lo que creen, pues más o menos desarrollada todos tenemos la capacidad de intuir cosas. Y tal vez lleguen a alguna conclusión que sería válida, que no tiene que coincidir con la que el director la había ideado. Pues la diversidad de opiniones, de captación o interpretación sobre una determinada obra, es por lo que podemos hacer la comparación cine como un arte, donde todo cabe, es posible y está permitido; y donde la persona es quien decide si coger ese vehículo o dejarlo ahí aparcado.